Jeff Rosenstock schöpft Hoffnung aus seiner Waschmaschine des Chaos

„Es fühlt sich an, als würde die Welt verdammt noch mal ständig renoviert“, erzählt mir Jeff Rosenstock an einem glühend heißen, verschwitzten Julinachmittag, nachdem er ein paar Hausmeister in der Wohnung über meiner herumhämmern hört. „Ich kann mich an keine Zeit erinnern, in der ich gelebt habe, in der nicht irgendwo Elektrowerkzeuge in Betrieb gegangen wären.“ Das ist eine treffende Aussage, denn in vielerlei Hinsicht ist das Gesamtwerk, das Rosenstock seit 2015 angesammelt hat, zu dieser lebendigen, atmenden Work-in-Progress-Kapsel geworden – da er immer wieder aktuelle nationale Themen wie Spätkapitalismus und Waffenkontrolle aufdeckt , während er gleichzeitig versucht, die romantische und platonische Liebe in einer Zeit des sozialen und persönlichen Versagens zu verstehen und herauszufinden, wie er seine weitreichende Frustration in ein kristallines, irgendwie hoffnungsvolles Gefäß leiten kann.

Es gibt zahllose Künstler da draußen, die sich wahrscheinlich viel schlankere, intellektuellere Lehrpläne zum Thema Organisation und Interessenvertretung ausgedacht haben, die sie in ihre Songs einfließen lassen können – aber manchmal braucht man wirklich nur einen energischen Kalifornier, der schreit: „Auch wenn es sich komisch anfühlt, du selbst zu sein, sprich.“ ! Auch wenn es schwerfällt, selbst wenn es einem weh tut, selbst wenn das Gehirn zu schmelzen beginnt“ im Abgrund im heißesten Sommer seit Beginn der Aufzeichnungen. Jeff Rosenstock ist nicht hier draußen und versucht, seinen Katalog in die Harvard punkorientierter reaktionärer Arbeit zu verwandeln. POST- und NO DREAM sind keine Manifeste, die behaupten, das ganze Lebewesen durchschaut zu haben. Nein, Rosenstock möchte nur an eine Welt denken, in der wir nicht länger taub gegenüber der Gewalt und der Angst sind, die jetzt unsere Träume von morgen plagen – und in seinem neuesten Werk HELLMODE offenbart sich dieser Wunsch nach menschlicher Anmut in einigen der anmutigsten und zarte Gesten seiner Karriere.

Wenn Rosenstock keine tollen Platten macht, ist er in seinem Heimstudio (oder, wie er es nennt, seinem „Meldegrab“ und seiner „Waschmaschine des Chaos“) und produziert am laufenden Band Musik für Cartoon Networks animierte Erfolgsserie „Craig of the Creek“ oder kickt mit seinem gutaussehenden Internet-berühmten Freund Chris Farren oder indem er Saxophon auf Bühnenverstärkern spielt oder eine Flagge schwenkt, die Gay-Pride-Farben, Satanismus und Pot Leafs an einem Ort vereint. Nur wenige Künstler haben es jemals gewagt, die große Fürsorge so unvoreingenommen aussehen zu lassen. Ein Blick auf Rosenstocks Energie und Branchendissens, seine Liebe zur Ska-Musik und seine wilde, unerschütterliche Energie, und man könnte denken, er sei nur ein weiterer lauter Punk, der aus ohrenbetäubenden Hymnen ein paar Cent herausholt. Aber er wettert schon lange gegen die „Idioten, die von Katastrophen profitieren“, viel länger, als viele von uns überhaupt bewusst Musik konsumieren oder sich eine legitime Meinung über die Ungerechtigkeit bilden, die unsere täglichen To-Do-Listen verschlingt. Allein deshalb ist Jeff Rosenstock ein heiliggesprochener Anhänger von Treu und Glauben und kampflustiger, zugänglicher Unterhaltung, in der jeder liebevoll Freude, Hoffnung und Vertrautheit finden kann. Die Tatsache, dass er einige der wichtigsten Rock-Statements der letzten 20 Jahre abgegeben hat (hier sehe ich dich, Worry), ist vielleicht der Grund, warum sein Einfluss auf diese Welt uns alle überleben wird.

Seit er We Cool veröffentlicht hat? und die SideOneDummy-Website am Tag der Veröffentlichung vor acht Jahren zum Absturz brachte, hat Rosenstock aus einer Laune heraus eifrig eiskalte Knaller herausgebracht. Es ist praktisch zu seiner Visitenkarte geworden, ein Faktoid über sein künstlerisches Schaffen, das oft Gespräche über sein musikalisches Leben durchdringt. Aber jetzt, da er seine dritte Veröffentlichung (oder vierte, je nachdem, wie man SKA DREAM 2021 kategorisiert) bei Polyvinyl herausbringt, rebelliert er – zum ersten Mal – nicht gegen traditionelle Labelverfahren, wenn es um die Veröffentlichung eines Albums geht. Rosenstock hat HELLMODE nicht nur im Voraus angekündigt; Er hat auch Teaser-Singles veröffentlicht, um für einen kleinen Hype zu sorgen! (Allerdings war es für ihn keine Kernabsicht, die Aufregung marinieren zu lassen, sondern nur ein Nebeneffekt.)

„Es fühlte sich an, als wäre es das Richtige, [Polyvinyl] einen normalen [Veröffentlichungszyklus] zu geben“, sagt Rosenstock und lacht über seinen eigenen Werbe-Unfug. Aber die Wahrheit ist, dass er nicht wollte, dass jeder denkt, dass seine überraschenden Album-Drops nur ein bisschen waren. „Ich werde so verdammt unsicher, wenn Dinge, die ich tue, weil es das ist, wonach ich Lust habe, wie ein Blickwinkel oder eine Art Marketinggedanke wirken“, fügt er hinzu. „Ich versuche, mich so ehrlich und leise wie möglich durch diese Welt zu bewegen und dabei laute Musik zu machen.“

Nachdem nach der Ankündigung von HELLMODE einige Zeit vergangen war und er einige Selbstreflexionen durchführte, kam Rosenstock schnell zu einem Schluss: „Ich mag es wirklich, spontan Platten herauszubringen. Es ist ein schönes Gefühl, wenn wir es miteinander teilen – Autoren und das Publikum und die Band und das Plattenlabel. Da ist ein spürbares Gefühl der Aufregung, und das habe ich dieses Mal vermisst.“ Es gab jedoch einen Kompromiss. Rosenstock war in der Lage, eine coole Promo zu produzieren, die ihm nicht möglich gewesen wäre, wenn die Existenz von HELLMODE am 1. September begonnen hätte – insbesondere das Video zu „Doubt“, das von Deena Beck, Dashawn Mahone und Najja Porter animiert und mit einem Storyboard versehen wurde . Ich sage Rosenstock, dass es gut ist, ein Spektrum verschiedener Möglichkeiten zur Veröffentlichung einer Platte zu haben, sonst weiß man nicht wirklich, welchen Weg man bevorzugt. „Du musst herumspielen und es herausfinden“, zwitschert er zurück, ohne mit der Wimper zu zucken.

Apropos herumalbern und es mit Sicherheit herausfinden; Nachdem er 2020 NO DREAM herausgebracht hatte, kehrte Rosenstock ein Jahr später mit dem Aprilscherz-Scherzalbum SKA DREAM zurück – nur um dann durchzustarten und zu einem Riesenhit unter Punks, Ska-Freaks und Alt-Heads auf ganzer Linie zu werden. Aber, wahrscheinlich zum Entsetzen seiner Fangemeinde, war SKA DREAM ein einmaliger Deal, obwohl der überwältigend warme Empfang Rosenstocks Erwartungen, dass die Leute es sich nach der Hälfte der Laufzeit einmal anhören würden, zunichte machte. „Wenn ich nicht in eine Schublade gesteckt werden wollte, in der ich Überraschungsplatten herausbringe, dann kannst du dir vorstellen, dass ich nicht in eine Schublade gesteckt werden möchte, in der ich von jeder Platte, die ich mache, eine Ska-Version mache“, verkündet er, erfreut darüber, wie gut sein eigenes Trolling angekommen ist auf ein Eigenleben. „Ich habe das Gefühl, dass dies sicherlich zu sinkenden Erträgen führen würde. Ich habe das Gefühl, dass wir so viel Glück hatten, wie SKA DREAM aufgenommen wurde, und ich möchte das Schicksal nicht herausfordern und es noch einmal versuchen. Mir geht es gut. Ich werde in meinem Leben sicher wieder Ska-Songs schreiben, aber ein Ska-Remake einer Platte zu machen, wird höchstwahrscheinlich nicht noch einmal passieren – es sei denn, ich brauche Geld! Ska ist Geld, Baby. Es gibt nichts Gewinnbringenderes als eine Ska-Coverplatte der eigenen Platte.“

SKA DREAM erschien jedoch – wahrscheinlich – zum einzig möglichen guten Zeitpunkt in den 2020er Jahren. Aaron Carnes‘ Buch „In Defense of Ska“ erschien im selben Jahr, und es schien, als würden sich die kulturellen Meinungen über das Genre allmählich abschwächen – sehr zu Rosenstocks eigenem Leidwesen. „Es ist cool zu sehen, dass Ska nicht mehr Gegenstand des Witzes ist, zumindest für viele Leute. Die Leute werden immer noch sagen: „Oh Gott, ich hoffe, dass Ska nicht zurückkommt!“ Und du wirst sagen: „Halt die Klappe“, und sie werden sagen: „Eigentlich mag ich Less Than Jake!“ Ich habe das Gefühl, dass es deutlich weniger Leute gibt, die sich für Ska-Bands entscheiden, und ganz entscheidend ist, dass die Leute sich nicht mehr für Ska-Bands entscheiden – und als Ska-Kind ist es verdammt noch mal an der Zeit.“

Rosenstock veröffentlichte sein erstes Solo-Mixtape „I Look Like Shit“, nur wenige Monate nach seinem Haupterfolg „Bomb the Music Industry!“ gaben bereits im Jahr 2012 ihre Auflösung bekannt. Doch anstatt aus der Asche dieser Gruppe mit einer neuen hervorzukommen, versammelte er einfach einen harten Zirkel aus guten, talentierten Typen und klebte einen Aufkleber in der Größe von Jeff Rosenstock über das Loch, das Bomb the Music hinterlassen hatte Auflösung von Industry! Rosenstock wiederum arbeitet seit We Cool? mit derselben Band zusammen – John DeDomenici, Dan Potthast, Mike Huguenor und Kevin Higuchi –, obwohl die Arbeit unter seinem eigenen Namen unerschütterlich und für immer ist, egal wer die Band verlässt oder was katastrophale Umwälzungen treffen sie. „[Jeff Rosenstock] kann sich nie trennen, das wird es sein. Selbst wenn wir vier in einem Feuer sterben, während wir uns gegenseitig betrügen oder was auch immer, ist es immer noch mein Name. Wenn ich eine Platte herausbringen würde, würde sie immer noch unter meinem Namen erscheinen“, sagt Rosenstock, bevor er schnell klarstellt: „Natürlich würde es nicht so kommen und ich mag jeden, mit dem ich Musik mache, und das möchte ich nicht.“ Einer von ihnen würde bei einem Brand sterben. Ich liebe sie."

Anfangs schwankte das Quintett hin und her, ob es sich einen echten Bandnamen geben sollte (einen, der nicht „Death Rosenstock“ war, wie sie sich acht Jahre lang liebevoll in den Liner Notes nannten) oder sich Jeff Rosenstock nennen sollte – und machte nur den Endgültige Entscheidung in letzter Sekunde, als das „Hey Allison!“ ertönte. 7-Zoll stand kurz vor der Drucklegung. „Vielleicht hätte ich sogar eine Münze geworfen und meinen Namen aufgerufen“, sagt Rosenstock. „Wie könnte man eine Entscheidung besser treffen?“ Aber die Realität ist, dass es sich für Rosenstock nie so anfühlte, als würde man von einer Band zu einem Soloprojekt wechseln. Er wechselte von einer Band zur anderen und die Songs, die er für schrieb, bombardieren die Musikindustrie! kamen genau so zusammen, wie es die Songs für Jeff Rosenstock jetzt, ein Jahrzehnt später, tun. „Ich schreibe, erforsche und arrangiere Dinge und habe dabei Spaß“, fügt er hinzu. „Der Prozess ist bei dieser Band sehr ähnlich, außer dass diese Band übt.“

HELLMODE wurde in den EastWest Studios am Sunset Boulevard und im Atomic Garden in East Oakland aufgenommen. Ersteres ist ein legendärer Musikraum, in dem Aufnahmen von Elvis' Comeback-Special von 1968 über Thriller bis hin zu Like A Prayer und Mother's Milk aufgenommen wurden. Das Erlebnis war cool und demütigend für Rosenstock, der behauptet, dass er und die Band die ganze Zeit Stars im Kopf hatten – da sie den Aufnahmeraum mit Jazzbands und Filmkomponisten und einem Rapper (an den sich Rosenstock nicht mehr genau erinnern kann) teilten der Name von), der zwei Wochen lang ein Zimmer für 24 Stunden am Tag buchte und um Mitternacht ankam. Für den kurzen Zeitraum, in dem HELLMODE entstand, wurde die Welt von Jeff Rosenstock zu einem Rädchen in der wundersamen Maschinerie der Hollywood-Coolness.

„Ich hatte einen Tag, an dem ich einfach Scheiße von HELLMODE durch die verdammten Echokammern laufen ließ, die bei Pet Sounds verwendet wurden“, sagt er. „Das ist riesig für mich! Was für ein verdammter Traum. Wir hatten hinten einen Parkplatz. Es hat mir auf jeden Fall Energie gegeben. Ich fragte mich: „Wie schaffen wir es, dass das wie etwas von den Punk-Platten der großen Labels aus den 90ern klingt – die, die gut klangen, die, die klangen, als wäre die Band an einen echten Ort gegangen und hätten sie von jemandem gut aufnehmen lassen und haben lassen?“ schlagen?' Ich weiß nicht, ob der Raum das unbedingt bewirkt hat, aber es war cool, all die Namen an der Wand zu sehen und das Gefühl zu haben, Teil dieses Kontinuums der Musik zu sein. Wir sind ein Haufen rauflustiger Spinner und haben nicht oft das Gefühl, ein Teil davon zu sein. Gott, das Klavier dort klingt so gut. Auf HELLMODE gibt es kaum Klavier, aber als ich dieses Klavier spielte, dachte ich: „Scheiße!“ Ich wünschte, das wären alles Klavierlieder.‘“

Rosenstocks langjähriger Produzent Jack Shirley steht wieder hinter den Kulissen und gemeinsam haben sie ihre Partnerschaft wirklich in die Neil Young/David Briggs-Stufen der Zusammenarbeit gebracht. Auf „We Cool?“ forderte Shirley die Band auf, zusammen in einem Raum zu spielen und live zu spielen, und obwohl Rosenstock noch nie zuvor eine Platte gemacht hatte, die nicht zweispurig war, herrschte zwischen ihnen die Chemie – und das alles dank Shirleys Intuition und ihrer Fähigkeit, einen neuen Song zu setzen Band, ihre eigenen Grenzen nicht zu sehr zu überdenken und alles einzufangen, was sie geübt hat. Fünf Alben später wird diese Methode immer noch von Rosenstock angegriffen – erst jetzt haben sie vollständig herausgefunden, wie sie den Raum perfekt nutzen können, um mit Schichtungen und üppigen Arrangements zu experimentieren und gleichzeitig ihren charakteristischen, vulkanischen Touch beizubehalten. „Jack und ich mögen beide Musik, bei der es so klingt, als hätte jemand alle Fader nach oben geschoben“, sagt Rosenstock. „Es ist cool, mit jemandem zusammenzuarbeiten, der so viel Geschick hat und so gut ist und gleichzeitig keine Angst davor hat, alles in die Luft zu jagen. Ich mag Slant und Dear Nora, ein breites Spektrum von laut bis leise, und es ist cool, mit jemandem zusammenzuarbeiten, der beides wirklich nutzen kann.“

Dieses Lautstärkespektrum ist im gesamten HELLMODE zu hören. Bei Titeln wie „LIKED U BETTER“ und „WILL U STILL U“ wird es deutlich. Am ergreifendsten ist jedoch, dass es auf der Schlussnummer des Albums „3 Summers“ ankommt – dieser riesigen Wand aus verzerrten, verzerrten Gitarrenklängen, die vielleicht (wahrscheinlich) eines der größten Werke von Rosenstock bisher ist. Mit einer Länge von sieben Minuten und einer massiven Konstruktion, die genauso grell wirkt wie alles, was er seit POST gemacht hat, ist „3 Summers“ der längste Track, den er je aufgenommen hat – während er darüber nachdenkt, wie sich seine eigenen Bedenken auf die Welt ausgewirkt haben („If Ich kann nicht anders, als auszuflippen, wie soll ich leben?“, nur um das in einem hoffnungsvollen, schönen Gefühl der Liebe und Zuneigung zum Überleben zu bündeln („Ich möchte, dass die wärmste Brise weht, ich möchte die Ufer und …“) „Wenn die Schulen schließen, möchte ich, dass das Universum für dich leuchtet“). Vergleicht man den Song mit irgendetwas von „Worry“ – das nur aus einer Ansammlung von einem Dutzend Schnitten von weniger als drei Minuten Länge bestand –, klingt es, als käme es von einem anderen Planeten, und es hätte sogar fünf Minuten länger dauern können. Aber es lohnt sich, einen Track organisch anschwellen zu lassen und sich selbst zu erlauben, verschiedene Muster und Stile in einem Raum zu jammen und durchzuarbeiten, der nicht mehr auf Kürze beschränkt ist.

„Bei [HELLMODE] habe ich wirklich versucht, meinen Produzenteninstinkt zu ignorieren: ‚Toller Song, wie kürzen wir ihn auf drei Minuten?‘ NO DREAM war, abgesehen von den letzten beiden Songs, so kompakt wie möglich. Aber ich höre eine Menge „Built to Spill“ und wenn sie sich ausdehnen, ist es so verdammt cool. Ich habe einfach versucht, mehr eigenen Raum zu finden, in dem ich mich ausstrecken kann. Insbesondere Songs wie „DOUBT“ und „SOFT LIVING“ sind Songs, bei denen ich das Gefühl hatte, dass das Ende, das ich erreichen wollte, nicht zustande kam, wenn ihnen der Aufbau fehlte. Ich habe das Gefühl, dass der Versuch, es wegzulassen, diese Teile weniger effektiv macht. „SOFT LIVING“ war anderthalb Minuten kürzer und es war fertig, aber ich dachte: „Es fühlt sich nicht so an, als wäre es fertig, es fühlt sich an, als ob es weiter jammen will.“ Und so dachte ich: „Scheiß drauf!“ Wen interessiert das verdammt noch mal? Vielleicht ist das die Platte, auf der sich ein paar Jams befinden.‘ Ich versuche, mich bei jeder Platte auf vielfältige Weise herauszufordern, damit sie sich anders anfühlt als die letzte. Bei dieser Platte ging es darum, die Songs in größere Räume zu öffnen, wenn sie wollten, und keine Angst davor zu haben, dass es kein Punk wird oder dass es zu lange andauert – und sich zu erinnern: „Oh ja, ich mag lange Songs.“ , zu. Das ist in Ordnung. Gib ihm etwas Raum, lass es wirken.‘“

Wenn Sie sich die Hintergrundharmonien von „3 Summers“ (und anderen Kontrollpunkten auf dem Album) genau anhören, werden Sie Einblicke in Laura Stevensons Gesang bekommen. Stevenson und Rosenstock sind seit ihrem Bomb the Industry! Vor 20 Jahren erschien sie auf jeder seiner Platten seit POST- (und Rosenstock half Stevenson dabei, viele ihrer Tracks aus der Zeit vor „The Big Freeze“ zu demonstrieren und produzierte sogar Cocksure), aber es sind die beiden jüngsten EPs von Neil Young, die das abdecken hat ihre Bindung wirklich gefestigt – da ihr tiefes, gemeinsames Wissen über Youngs Musik ihnen noch mehr Raum zum gemeinsamen Touren, Singen und Abhängen gegeben hat, ohne dass sie sich die Arbeit machen mussten, neues Material zu schreiben. Es schadet auch nicht, dass Youngs künstlerisches Ethos eine treibende, motivierende Kraft für die Art von Prägung ist, die Rosenstock und Stevenson versucht haben, in ihren eigenen Musikgemeinschaften zu hinterlassen. „Er geht Chancen und Risiken ein und ist Teil des Major-Label-Systems, aber er wirkt immer noch sehr punkig und tut nicht das, was man tun soll. Er macht, was er machen will“, fügt Rosenstock hinzu. „Es ist verdammt cool, dass jemand so lange weitermacht und einfach unter dem Vorwand ‚Ich finde das cool, also mache ich es‘ einfach Scheiße macht, ohne diese Angst zu haben.“

Die Zusammenarbeit mit Kollaborateuren, die zu Familienmitgliedern geworden sind – wie sein Bandkollege von Antarctigo Vespucci Chris Farren und Stevenson und Mikey Erg – hat Rosenstocks ganze Welt wirklich verändert und ihm geholfen, seine eigenen Ängste als Künstler abzulegen, der Risiken eingehen muss, um über Wasser zu bleiben. Es strahlt ein Anflug von Ermutigung und eine schmerzlose Ehrlichkeit aus, die von dem Wunsch aller Beteiligten herrührt, das Beste möglich zu machen. Dieses Ökosystem um sich herum hat Rosenstock das Gefühl gegeben, besser in der Lage zu sein, Risiken einzugehen, vor denen er sich vor sechs Jahren noch gefürchtet hätte, aufs Ganze zu gehen. Seit Jahren verspürt er ein großes Zögern, den Raum eines ruhigen, hübschen Liedes zu erkunden – etwas, das er erstmals 2016 bei „We Begged 2 Explode“ und zwei Jahre später bei „9 / 10“ ausprobierte, was zum großen Teil auf Stevensons Anwesenheit zurückzuführen ist und Vertrauen in das, was Rosenstock leisten konnte, sowohl stimmlich als auch konstruktiv.

„Ich bin ein verdammter Mensch, der auf dieser Welt herumläuft, und ich möchte die ganze Musik machen und ich möchte nicht in die Enge getrieben werden mit der Aussage: ‚Ich mache nur dieses Ding, weil die Leute mich dafür kennen oder weil die Leute das tun.‘“ wie.' Und manchmal ist es beängstigend, weil man nichts machen möchte, von dem man tatsächlich glaubt, dass es den Leuten nicht gefallen wird, weil es nicht das ist, was sie von einem wollen“, sagt er. „Und Laura hat mir wirklich ein gutes Gefühl mit meiner ruhigen Stimme gegeben und mir ein gutes Gefühl beim Singen statt beim Schreien gegeben. Das hat mich wirklich dazu gebracht, das noch mehr zu tun. Und hoffentlich wirken dadurch die Teile, in denen ich schreie und in denen es verrückt ist, kraftvoller – weil es dort mehr Kontraste gibt.“

„9 / 10“ ist auch mehr als fünf Jahre später immer noch einer der meistgestreamten Songs von Rosenstock (1. Platz bei Apple Music, 2. Platz bei Spotify) und das aus gutem Grund – es ist damals eine zarte Rockballade im Broadway-Stil Zeit, anders als alles, was wir jemals zuvor von ihm gehört hatten. POST war eine Dokumentation des ersten Jahres in Trumps Amerika, und die Art und Weise, wie „9 / 10“ mit Theatralik zur Schau stellte und Rosenstocks lärmendes Kreischen in einen üppigen, unvollkommenen Gesangsstrom unterdrückte, sprach deutlich für das sich auflösende politische Klima, in dem es veröffentlicht wurde. „In jedem freien Moment hast du alle Optionen ausgeschöpft, von denen du dachtest, sie könnten die Lücke füllen“, singt er im Einklang mit Stevenson. „Jeden Stern, den du dir wünschst, hoffe nur auf ein wenig Selbstbeherrschung. Du hast es satt, dich egoistisch zu fühlen, du hast es satt, dich ruhelos zu fühlen – du hast es satt, dich niedergeschlagen zu fühlen!“ Rosenstock nennt das Lied seinen „Heel Turn“, obwohl keine bösartige Entstehungsgeschichte zu finden ist – ganz im Gegenteil.

HELLMODE ist eine große Sammlung hymnischer Subversionen, die alles konterkarieren, was wir von Rosenstocks Oeuvre erwarten. Hier balanciert er Dunkelheit und Helligkeit aus und singt über die Schuldgefühle, die er empfindet, wenn er luxuriöse Lyfts zum Flughafen fährt, während die Menschen auf der Straße hungern. „Tun Sie nicht so, als würde die Welt uns alle gleich behandeln“, meint er. „Ich weiß, dass es nicht in Ordnung ist, aber ich mache trotzdem mit.“ Allzu oft sind zeitgenössische Alben, die sich als Teile der Revolution ausgeben, voll von verschlungenem, halbherzigem Geschwätz darüber, dass sie sich weigern, zum Spielball einer kapitalistischen Todesfalle zu werden. Ich nehme an, dass die Absichten dort gut sind, aber im heutigen Amerika ist es unmöglich, jedem Zentimeter des Konsumismus zu widerstehen. Um zu leben, muss man Geld ausgeben; Um zu überleben, muss man Geld ausgeben. Das Erfrischende an HELLMODE ist Rosenstocks Desinteresse daran, es aus Gründen der Kontinuität vorzutäuschen. Er hat einen Plattenvertrag, einen großen Auftritt, bei dem er Musik für eine erfolgreiche Fernsehshow macht, und er hat sich eine Anhängerschaft aufgebaut, die ihn näher an die geschätzte Gruppe von Mainstream-nahen Musikern heranführt, die einer Tour vielleicht entkommen, ohne in die Verlustzone zu geraten. Er ist kein armer Punk mehr, der selbst Platten veröffentlicht.

Rosenstock wollte HELLMODE als Porträt der letzten Jahre so wahrheitsgetreu und ehrlich wie möglich gestalten – was bedeutete, den Terror aufzuzeichnen und gleichzeitig Momente festzuhalten, in denen wirklich große Gefühle für kleinere Momente aufkamen, wie zum Beispiel Luft zu holen oder Freude an einem Regenschauer zu finden . Ein Song wie „LIFE ADMIN“ entstand, weil er ehrlich sein wollte, dass er in den letzten Jahren messbaren Erfolg hatte – etwas, mit dem er sich immer noch nicht wohl fühlt. Rosenstock beschäftigt sich mit Bildern, die oft von Vorstadtvätern verkörpert werden, aber er versucht eigentlich nur, sein neu entdecktes Privileg auf eine Art und Weise zu verstehen, die auch die Sorge um die Ehrlichkeit gegenüber der Wahrheit nicht scheut: Er ist nicht der laute Typ, der sich durchsetzt Leben in New York City mehr; Er hat jetzt in Kalifornien geheiratet, zahlt keine Miete, kann jederzeit in die Wüste abhauen und wird einen guten Tag verbuchen, wenn er sich eine Platte von Slaughter Beach, Dog anhören darf. „Ich sammle Spinneneier in meinem Bougie-Keller und lebe jetzt mit der Angst, dass irgendjemand herausfindet, wie ich lebe“, singt er auf „LIFE ADMIN“. „Draußen auf der Terrasse grillen, eiskaltes Bier bei Sonnenuntergang in der Feuersaison trinken.“

„Ich fand es lustig, darüber zu schreiben und gleichzeitig mein Studio ein bisschen besser aufzubauen, Schrauben fallen zu lassen und Scheiße zu verlieren“, sagt er. „Man kann den Punk herausnehmen – man kann das, was ist das? Du kannst den Punk aus dem Punk-Haus nehmen, aber du kannst das Punk-Haus nicht aus dem Punk nehmen? Ich weiß nicht, ich komme mir immer noch dumm und dumm vor, egal ob es gut läuft oder nicht. Wir machen immer noch die gleichen Fehler und behalten die gleiche Persönlichkeit. Ich habe versucht, einige Dinge zuzugeben, bei denen ich mich weniger wohl fühle, und habe versucht, verletzlich zu sein – weil ich ein Idiot bin und aus irgendeinem Grund verletzliche Songs machen möchte.“

In Los Angeles kann Rosenstock in unmittelbarer Nähe zu einer Gruppe von Musikern leben, die ihm sehr am Herzen liegen – obwohl er argumentiert, dass man, selbst wenn man in LA ist, nie wirklich so nah an jemand anderem ist. Aber Rosenstock teilt eine Stadt mit Melina Duterte von Farren und Jay Som, und während sie und Frankie Impastato gemeinsam Farrens „Doom Singer“ produzierten, konnte er vorbeischauen, Saxofon spielen und dabei richtig Gas geben. Das Gleiche gilt für Diners, die Band von Blue Broderick, deren Live-Version Rosenstock kürzlich beigetreten ist. „Es ist cool, einfach mit Trev [Ducote], Blue und Bob [Vielma] abzuhängen, Musik zu machen und einfach zu entspannen. Musik ist cool“, sagt Rosenstock und deutet wahrscheinlich mit dem Daumen nach oben auf seine ausgeschaltete Kamera. „Es ist schön, mit anderen Menschen Musik machen zu können, und ich habe das Gefühl, dass ich Freunde habe, die so gute Platten herausbringen. Es ist wirklich aufregend, wenn deine Freunde Dinge tun, die du mit großer Begeisterung unterstützen kannst. Es erinnert mich an „Bomb the Music Industry“! Damals spielten wir Konzerte mit vielen Bands, die einfach immer großartiges Zeug rausbrachten.“

Eine solche Gemeinschaft zu haben, ist nicht nur erfrischend; es ist auch wichtig. Ich schaue auf meinen Heimatstaat Ohio und wie die DIY-Gemeinschaften hier geschrumpft sind. Als Rosenstock vor zehn Jahren gerade dabei war, sich als Solokünstler zurechtzufinden, kreierten Acts wie The Sidekicks (RIP), Saintseneca, Delay und Tin Armor einen Hit nach dem anderen. Damals war an diesem Ort etwas im Wasser, aber jetzt ist es fast vollständig verschwunden – ein großer Teil davon ist auf den Verlust eines nachhaltigen Reisemodells nach COVID zurückzuführen. House-Shows gibt es immer noch im ganzen Land, aber es ist schwer zu ignorieren, wie selten und weit verbreitet sie geworden sind. Bands, die das Glück haben, die Unzugänglichkeit der Branche zu überleben und in größere Räume vorzudringen, fühlen sich wie ein Schicksal an, das noch nie so unglücklich war. Aber sie sagen, die Geschichte wiederholt sich. Diese Stimmung ist nicht immer gut, aber sie muss zumindest einmal anständig sein, und vielleicht ist die DIY-Welt eine zyklische Welt. „Es muss einmal gut sein, und diesen Wunsch verwette ich auf die Showszene im Keller von Ohio“, sagt Rosenstock liebevoll. Zu sehen, wie ein Trio wie Diners, Farren und Rosenstock in einer der unerbittlichsten Anti-DIY-Ära gemeinsam eine Linie aufbaut, ist ein Geschenk – egal, wie groß einer von ihnen inzwischen geworden ist.

Aber Rosenstock ist ziemlich groß geworden – zumindest in dem Sinne, wie groß ein in New York aufgewachsener Punkrockmusiker im 21. Jahrhundert werden kann. Doch egal, wohin ihn sein Erfolg geführt hat, er ist sich seit langem bewusst, welche Rolle er als Person mit einer beträchtlichen Plattform spielt. Politische Lieder waren nie aus seinem Bann gezogen; „POST“ ist ein Album, das sich unverhohlen um den amerikanischen Traum dreht, der von angstmachenden Eiferern in zwei Nummern zu großen Anzügen definiert wird, die einst den falschen Schritt von einem Pflegeheimaufenthalt entfernt hatten. Auf HELLMODE schreibt Rosenstock mit Gelassenheit und Wut über sinnlose Waffengewalt, Polizeibrutalität und menschengemachte Umweltzerstörung – während er dabei zusieht, wie die Welt brennt und Menschen sterben, ohne dass ihre Unterdrücker zur Verantwortung gezogen werden, löste die Wut aus und schlich sich in die Songs ein.

Ich denke an den Beginn meines Gesprächs mit Rosenstock zurück; wie er nicht einmal eine Minute später die Baustelle kommentierte, zu der Amerika geworden ist. Ich bin mir sicher, dass dies nichts weiter als eine unterbewusste Sache war, wenn man bedenkt, dass die Bilderwelt des Bauens auch einen großen Teil von „HEALMODE“ ausmacht.

„‚HEALMODE‘ ist mir gerade eingefallen. Und ich dachte: ‚Gott sei Dank wird nicht jeder Song auf dieser Platte verdammt trostlos sein‘“, sagt Rosenstock. „Ich stand einfach da und da tauchte das Lied auf und ich verfolgte es. „Chase“ zu sagen, hört sich so verrückt an, aber ich habe es einfach gespürt. Ich versuche nie, eine völlig düstere Platte oder so etwas zu machen. Es ist schwierig, wenn diese Dinge den ganzen Tag über so viel emotionalen Raum einnehmen, einfach weil sich das moderne Leben so anfühlt – wir schauen den ganzen Tag auf unsere Telefone und schauen uns all diese schrecklichen Dinge an. Man macht eine Pause von der Arbeit, schaut sich die sozialen Medien an und sieht entweder etwas Verrücktes oder jemanden, der angibt. Es ist komisch."

Aber es gibt diese Idee, die sich über das gesamte neueste Projekt von Rosenstock erstreckt; Diese anmutige Darstellung dessen, was es bedeutet, nicht nur älter zu werden und immer mehr in die Annehmlichkeiten hineinzuwachsen, die ein Leben leisten können, sondern auch zu akzeptieren, dass wir es trotz unserer größten Bemühungen, uns gegen die Art und Weise auszusprechen, in der die Welt beschissen ist, auch tun Ich bin daran schuld – bis zu einem gewissen Grad, sei es ein Krümel oder ein ganzes Festmahl. Es ist ziemlicher Punk, Predigten über Ungleichheit zu halten und den bigotten, unterdrückerischen und kapitalistischen Abschaum herauszufordern, der die Welt plagt; sich wirklich mit diesen Überzeugungen auseinanderzusetzen, während die Zahl der monatlichen Zuhörer weiter steigt; Es ist auch ziemlich punkig, sich zu seinen Fehlern zu bekennen und Frieden mit der Endgültigkeit eines Lebens zu schließen, das uns nichts anderes übrig lässt, als uns durchzuquälen.

Was wir jedoch tun können, ist, uns an Jeff Rosenstocks Buch zu orientieren und die Menschen um uns herum zu ermutigen, freundlich zueinander zu sein. Wir können auch versuchen, die Zerstörung des Planeten zu stoppen. Die Wut, das Chaos und die Massenenergie, die Rosenstocks gesamtes Schaffen seit langem prägt, sind nicht verschwunden. Aber die Wahrscheinlichkeit, dass wir unsere Bedenken umkehren können, ist gering bis gar nicht vorhanden, weil man Jahrhunderte der Brutalität nicht zurücknehmen kann. „Oh bitte, beeil dich, jemand, komm und rette mich vor all diesen magischen Momenten, die ich vergessen habe“, sang Rosenstock vor sieben Jahren auf „We Begged 2 Explode“. Jetzt hat er auf HELLMODE ein Zuhause in der Nische der unumkehrbaren Wahrheiten des Lebens gefunden – ein Ort, an dem es endlich möglich ist, wieder zu lernen, wie man die flüchtigen Wunder einer sterbenden Welt archiviert. Es ist wahr, dass wir niemals zulassen können, dass die Polizei oder die Vermieter gewinnen; dass wir aufhören müssen, Müll wegzuwerfen, und weiterhin ein Mikrofon vor die Stimmen stellen müssen, die der Klassenkampf zum Schweigen gebracht hat. Aber wenn der Aufruhr nachlässt, würde ich sagen, dass es in Ordnung ist, den Elektrowerkzeugen zuzuhören, die durch die Straßen der Stadt ziehen. Im HELLMODE ist es in Ordnung, im Lärm lohnende Musik zu finden.

Sehen Sie sich unten die Paste-Studio-Session von Jeff Rosenstock aus dem Jahr 2021 an.

Matt Mitchell berichtet als Musikredakteur von Paste aus ihrem Zuhause in Columbus, Ohio.

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